© Tomás Laranjo / Curso de Produção Instável
Curso de Produção Instável
O Curso de Produção Instável é um programa irreverente, que concilia matérias e formadores essenciais e incontornáveis, com uma abordagem modular e uma forte componente prática. Não pretende fornecer modelos de trabalho, mas antes provocar o pensamento, estimular sinergias, e suscitar interações.
Para quem?
Dirigido a criadores, produtores e profissionais das artes que pretendam aprofundar os seus conhecimentos nas áreas da gestão, produção, comunicação e técnica das artes performativas.
Duração
De 17 de março a 16 de julho de 2026
Horário
Ter–Qui, das 18h30 às 22h30
Sessões opcionais do programa PULSO: segundas, das 10h00 às 12h00
Objetivos
– Desenvolver competências práticas de planeamento, gestão e comunicação de projetos culturais.
– Compreender os mecanismos de financiamento, a nível nacional e europeu.
– Explorar o enquadramento jurídico e politico da produção cultural em Portugal.
– Abordar a produção cultural a partir do ponto de vista de teatros de acolhimento, companhias e artistas independentes.
– Dotar os alunos de ferramentas para a integração em contexto profissional.
– Promover a colaboração e a partilha entre colegas, criadores e formadores, com contacto direto com o ecossistema artístico do Porto.
– Estimular o pensamento crítico e a colaboração interdisciplinar.
Estágios e integração profissional
A Instável – Centro Coreográfico procura criar oportunidades de integração dos participantes em mini-estágios tanto na própria estrutura como em colaboração com parceiros.
Estas experiências permitem uma aproximação ao mercado de trabalho e ao funcionamento das estruturas culturais.
Na mais recente edição, foram criadas 18 oportunidades de estágio.
Formadores
O Curso de Produção Instável conta com uma equipa de profissionais nas áreas da gestão, produção, comunicação, direito, luz, som e direção de cena.
Todos mantêm uma ligação direta ao contexto artístico e cultural contemporâneo, partilhando com os formandos a sua experiência prática e visão crítica sobre os desafios da produção hoje.
Alguns dos nomes da última edição:
Amarílis Felizes
Ana Figueira
Catarina Serrazina
Francisco Cipriano
João Fontes
Mafalda Sebastião
Rita Tomás
Tânia Rodrigues
Tiago Ralha
Módulos
O curso integra uma série de módulos pensados para oferecer uma formação completa em produção cultural, combinando teoria, prática e experiência em contextos reais de criação e gestão.
O módulo de Produção introduz os conceitos básicos e palavras-chave da área, abordando o papel do produtor cultural, do criador/produtor e da auto-produção. Explora as tarefas de um produtor, as fases de uma produção, a criação de pequenas estruturas de produção, o papel do coprodutor, a organização de audições e residências artísticas, a gestão das equipas de um teatro, a procura de coprodutores, a venda de espetáculos, a organização de dossiers, definição de preços, logística e estratégias de abordagem a programadores, oferecendo também uma perspetiva sobre a visão do programador cultural.
Este módulo contextualiza a produção cultural e apresenta as três fases principais de uma produção: Pré, Produção e Pós. Inclui a exploração do funcionamento de organizações artísticas e culturais, o papel de um Produtor Executivo, questões de direito de autor, diferentes tipos de contratação e análise de contratos, bem como a logística de um espetáculo em contexto de acolhimento.
Este módulo explora os desafios e possibilidades da produção artística fora dos espaços convencionais de apresentação. Os participantes são convidados a repensar o papel da produção em diálogo com o espaço público, o território e as comunidades envolvidas. Procura-se desenvolver uma abordagem criativa, flexível e crítica à gestão e concretização de projetos em contextos não formais.
Aborda os processos e práticas na produção cultural, refletindo sobre como otimizar o trabalho em diferentes esferas. A esfera social inclui acessibilidade, inclusão, justiça, narrativas dominantes, governança, participação e práticas colaborativas; a esfera ambiental trata de questões como impacto social e escolhas sustentáveis; a esfera económica explora modelos de financiamento e sustentabilidade; e a esfera cultural analisa a relação entre sustentabilidade e prática artística.
Este módulo apresenta o mapa do financiamento das artes, desde bilheteiras e candidaturas a coproduções, patrocínios e mecenato. Ensina princípios de gestão financeira, elaboração de orçamentos para projetos de criação e digressão, administração financeira, fechos de contas, relatórios, análise financeira e inclui exercícios práticos e discussão.
Explora os programas europeus de financiamento das artes e cultura, incluindo Portugal 2020, Portugal 2030, Europa Criativa, Erasmus+, Europa dos Cidadãos e Horizonte Europa. Inclui exemplos de boas práticas, e orientações para transformar uma ideia num projeto, com elementos essenciais para formalizar candidaturas.
O objetivo deste módulo passa por explorar estratégias, metodologias e ferramentas para conectar os projetos artísticos com os seus públicos, desde a definição de um plano de comunicação à assessoria de imprensa e campanhas no ambiente digital.
Este módulo propõe uma reflexão sobre as políticas culturais em Portugal, explorando o papel do Ministério da Cultura e das Câmaras Municipais na gestão e apoio ao setor artístico. Inclui análise de programas como o Apoio às Artes e a Rede de Teatros e Cineteatros, abordando conceitos de democratização e democracia cultural, combinando teoria, pesquisa e debate.
Apresenta o estatuto dos profissionais da área, fiscalidade aplicável, licenciamento, direito de autor e direitos conexos, proporcionando aos participantes conhecimentos essenciais para atuar legalmente na área cultural.
Explora a propagação do som e o sistema auditivo, equipamentos de áudio, microfones, altifalantes e mesas de mistura, com práticas de captação, edição, mistura e som ao vivo, e estudo da acústica de salas.
Aborda segurança no trabalho técnico, eletricidade básica, equipamento de iluminação e acessórios, circuitos de ligação entre equipamentos, método McCandless, ângulos básicos de iluminação, estudo de luz e sombra, filtros corretivos, cores, design de iluminação e o papel do designer no contexto da produção.
Apresenta a nomenclatura geral de palco, tarefas e responsabilidades do/a diretor/a de cena, diferenças entre companhia e espaço de acolhimento, set-ups de palco e análise de alguns riders técnicos.
Este workshop propõe um olhar crítico sobre os espaços onde operamos na mediação e produção cultural. A partir de ferramentas de mapeamento, reflexão e experimentação coletiva, os participantes exploram como os lugares influenciam as práticas culturais, quem pode aceder a esses espaços e como podem ser repensados para ampliar a participação e a circulação cultural.
